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Diez obras de Monet para entender la fascinación del pintor por la luz impresionista

  • El artista reunió a lo largo de su vida una colección de pinturas que guardaba de forma secreta en su casa de Giverny. Centro Centro y Arthemisia en colaboración con el Musée Marmottan Monet de París reúnen en Madrid y hasta el próximo 25 de febrero parte de estas obras maestras

  • Madrid da la bienvenida a un Monet antológico

Cristina Blanco Vázquez
Cristina Blanco Vázquez

Madrid Actualizada 04:30

Paseando cerca de Argenteuil

Paseando cerca de Argenteuil (1875)

En Argenteuil, Monet hizo posar más de una vez a Camille, su mujer, y el pequeño Jean. Escenas de intimidad familiar en las que la composición de madre e hijo dan vida al paisaje y se funden con él. Las sombrillas, abiertas con cielo nublado, y el movimiento del vestido blanco de Camille captan bien el ambiente ventoso. El campo sembrado de flores rosas, amarillas y azules acapara la atención del pintor, que con este cuadro creó una obra emblemática del impresionismo. No falta ninguno de los elementos más característicos de este último: un estudio del natural, formas de contornos borrosos, una paleta clara y toques de colores puros al servicio de una visión idealizada y bucólica de la naturaleza.

Claude Monet, Impression,_soleil_levant

Impresión, sol naciente (1872)

Tres años antes sentó el precedente del movimiento artístico con Impresión, sol naciente. Este óleo sobre lienzo captura una escena de Le Havre, su ciudad natal, en un amanecer brumoso. La paleta de colores suave, compuesta en su mayoría por azules, grises y naranjas, le dan a la obra una sensación etérea y atmosférica que, unida a las pinceladas rápidas y sueltas, revolucionó la historia del arte. Fue presentada en 1874 en el Salón de los rechazados, el espacio donde exponían todos aquellos que revolucionaban el academicismo imperante. Las burlas fueron generalizadas y el crítico Louis Leroy escribió: «Al contemplar la obra pensé que mis gafas estaban sucias. ¿Qué representa esta tela?…, el cuadro no tenía derecho ni revés…, ¡Impresión!, desde luego produce impresión…», bautizando sin querer un movimiento de pinceladas inauditas, libres, rápidas y directas.

Vétheuil en la niebla

Vétheuil en la niebla (1879)

Vétheuil en la niebla transmite con gran dulzura una impresión de inmovilidad. Mientras el pueblo se disuelve en la niebla, el río por el que se desliza una barca es tan solo una extensión de reflejos de luz. Ya no se distingue el agua de la tierra, ni la tierra del cielo. La armonía del cromatismo funde todos los elementos del paisaje. Monet trató de vender esta obra al barítono Jean-Baptiste Faure, que, a pesar de la irrisoria suma de cincuenta francos
que le pedía el pintor, rechazó la oferta con el argumento de que el cuadro era «demasiado blanco». Unos años
después, ya olvidado el episodio, Faure ofreció seiscientos francos, pero el pintor no solo se negó en redondo a
desprenderse del cuadro, sino que lo expuso en su estudio de Giverny sobre un gran caballete.

Etretat

Acantilado y Porte d’Amont, efecto matinal (1885)

Durante su etapa de formación —entre finales de la década de 1850 y la de 1860—, al joven Monet lo atraían los temas modernos y relacionados con el desarrollo de la sociedad del ocio, como las escenas de guinguettes, o las de playa. Además de darle pie a representar actividades humanas, también le permitían incorporar motivos paisajísticos como grandes láminas de agua o extensiones de vegetación, con efectos variados de luz. Para fijar sobre el lienzo unos fenómenos tan cambiantes y transitorios como los reflejos y los destellos, Monet se vio obligado a trabajar deprisa, desarrollando así una técnica de máxima «productividad» basada en la mancha y la fragmentación de la pincelada. Fruto de ello son obras que, prescindiendo de la materialidad del motivo, se
limitan a representar la sensación cromática y la intensidad luminosa que transmite este último al ojo del pintor.

Campo de iris amarillos en Giverny

Campo de iris amarillos en Giverny (1887)

Descubierta por azar durante sus vagabundeos por el valle del Sena, la localidad de Giverny, donde se instaló Monet en 1883, tardó muy poco en convertirse en un refugio sentimental para el artista, así como en una fuente
inagotable de inspiración, donde se dedicó a pintar, al hilo de las estaciones, las orillas del Epte, los caminos sumidos en la niebla y los campos sembrados de manchas de colores que sugieren flores. En verano, los prados del pueblo, asentado entre marismas, se cubrían de iris amarillos. En 1887, Monet salió de su casa para pintar tres veces estos campos de iris en distintos momentos del día y no deja de recordar los cuadros pintados por el maestro en Holanda, donde estuvo varias veces.

Barcas en el puerto de Honfleur

Barcas en el puerto de Honfleur (1917)

Exhausto de pintar en plein air sus famosas y grandes composiciones de nenúfares, se fue a descansar unos días Normandía. En Honfleur, adonde llegó el 15 de octubre, realizó dos pochades al óleo. El caballete lo plantó en el muelle este, a fin de tener un panorama de la dársena, surcada por las barcas de vela, del muelle Beaulieu, dominado por la aguja de la iglesia de Sainte-Catherine, y del imponente edificio de la Lieutenance. Monet dibujó con pinceladas rápidas las grandes masas de colores, jugando con el contraste entre el muelle, rodeado por casas todavía en sombra, y las aguas luminosas y cambiantes del puerto.

Paisaje de Noruega. Las casas azules

Paisaje de Noruega. Las casas azules (1895)

El 1 de febrero de 1895 llegaba Monet a Noruega. Oficialmente iba a visitar a Jacques, el hijo de su esposa Alice, que vivía en el país escandinavo por motivos profesionales, pero los periodistas noruegos no se dejaron engañar, y uno de ellos escribió en el Dagbladet del 31 de enero: «Viene a pintar nuestro invierno en toda su luz y su esplendor». Monet se quedó hasta principios de abril, visitando varias ciudades y lugares de interés y volvió con algo más de 25 cuadros, como éste en el que va a lo esencial: el contraste entre las casas de madera oscura con la luminosidad del cielo y la nieve, que se tiñe de rosa, azul, verde, marrón, amarillo y rojo por el reflejo de los juegos de luz.

Nenúfares

Nenúfares (hacia 1916-1919)

Tras la compra de Giverny, en 1890, Monet, herborista en sus ratos libres, plantó literalmente lo que desde entonces sería el escenario de sus cuadros. En su jardín acuático, donde mandó poner nenúfares y construir un puente japonés, el artista centraba su mirada en la luz. Grandes decoraciones fue como tituló el propio Monet un conjunto de lienzos inspirados en el jardín acuático de Givern. En éste, el follaje de los sauces, que cae hasta cubrir el agua, se mezcla con las grandes hojas flotantes de los nenúfares, cuya forma ovalada, sumada a su color violáceo, rompe con la fluidez vertical de las ramas, mientras la intensidad cromática de las flores —mezcla de rojo y amarillo— parece explotar sobre una superficie dominada por colores fríos.

Glicinas

Glicinas (hacia 1919-1920)

El ilustre horticultor Georges Truffaut describió este jardín como «la obra más hermosa de Claude Monet, la que saborea con voluptuosidad desde hace cuarenta años, y la que más alegrías le ha dado». En 1905, sobre el puente japonés que cruza el estanque de los nenúfares, el artista hizo instalar un arco por el que trepan glicinas importadas de China y Japón, antes de recaer en forma de «racimos blancos y malvas, de un malva ligero, que parece pintado a la acuarela».

El puente japonés

El puente japonés (hacia 1918-1924)

Muy cercano a otro cuadro de la misma serie, sobre todo por la subdivisión de las zonas de luz y sombra, este Puente japonés se diferencia de ella por su apariencia de boceto, que lleva a suponer que estamos ante una obra inacabada. En la parte central se reconoce el puente, representado con pinceladas más densas y apretadas y tonos más oscuros de verde y marrón. Monet juega con el brillo de los espacios dejados en blanco a fin de
que la luz aclare la composición. Es probable, además que el uso de este rojo intenso delate los avances de las cataratas, que alteraban la visión del pintor y le dejaron prácticamente ciego, anticipando, sin quererlo, el movimiento expresionista.

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