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Seis artistas ¿sobrevalorados? de la Historia del Arte

Sus obras se han vendido por cantidades desorbitadas, auténticos récords en subastas, cuya entidad muchas veces ha causado estupefacción e incomprensión en los espectadores

Mario de las Heras

Madrid Actualizada 04:30

Mark Rothko, Naranja, rojo y amarillo (1961)

Un coleccionista desconocido pagó en 2012 casi 87 millones de euros por estos tres «rectángulos» coloreados de naranja, rojo y amarillo, por mucho que ni siquiera se distinga apenas el rojo del naranja, o el amarillo sea más bien un dorado. Interpretaciones aparte o no, porque sin una interpretación esta obra, como tantas otras del artista, no podría justificar su valor. En la serie Mad Men, donde está todo, uno de los protagonistas compra un Rothko y lo cuelga en su despacho. En una escena algunos empleados entran en el despacho cuando aquel no está y tienen una breve, pero intensa discusión sobre lo que están observando. Uno de ellos ve algo: el mar, la inmensidad, algo desconocido y perturbador. Los demás no ven nada. No entienden el precio pagado por aquello, pero uno de ellos sí comprende lo que ha dicho el otro. La apreciación exclusiva, el misterio y el valor de lo desconocido o de la trampa.

Antoni Tàpies, 7 de noviembre

El propio artista dijo que «una obra de arte debería dejar perplejo al espectador, hacerlo meditar sobre el sentido de la vida». La obra más cara del español se vendió por 2 millones de euros, sin que la capacidad de que todos esos signos y manchas y trazos y letras tan «nietzscheanos» y «dostoievskianos» sea suficiente para remitir al verdadero sentido de la vida, sea cual sea este. Hay algo pretencioso, una vez desaparecido el artista, en el anhelo de plasmar ese significado ante la contemplación de, por ejemplo, este 7 de noviembre donde el sentido de la vida se advierte con dificultad en expresividades tan limitadas, por lo menos en apariencia.

Jackson Pollock, Número 17A (1948)

Esta obra fue comprada al productor David Geffen por 200 millones de dólares (unos 185 millones de euros) en 2015. La característica de la pintura del artista estadounidense era el goteo. La pintura por goteo o dripping (chorrear pintura). A Pollock se le considera el máximo exponente del expresionismo abstracto, aunque es posible que muchos no lo entiendan. Ni lo del expresionismo abstracto, ni los 200 millones, aunque la corriente sí pueda entenderse mejor que la cantidad.

Joan Miró, Mujeres, luna, estrellas (1949)

El récord del artista español son los 21 millones de euros que se pagaron en 2023 por esta obra. Figuras o formas de trazo infantil, oníricas, extrañas. De colores simples. Rojo, negro, verde, azul o amarillo. Estrellas como simples asteriscos, luna nazarí de cuento y mujeres supuestas. Parece el sueño de un niño. En los años 30, Miró declaró en una entrevista que deseaba «matarlos, asesinarlos o violarlos», en referencia a los sistemas tradicionales de pintura, un anhelo que se muestra con claridad en este cuadro.

Andy Warhol, Shot Sage Blue Marilyn (1964)

El creador del pop art se coronó (monetariamente) con este retrato de Marilyn Monroe que se vendió en 2022 por 195 millones de dólares (184 millones de euros). Pertenece a una serie de cuatro retratos de la actriz estadounidense realizados después de su muerte en 1962. Atento a la posibilidad de negocio, Warhol simplemente (reconocido por él sin tapujos) tomaba imágenes de otros, de cualquier autor, forma u origen y luego las personalizaba. Una simple fotografía de la protagonista de Con faldas y a lo loco le sirvió para crear este icono de los miles que produjo a nivel industrial en su fábrica de arte llamada, también sin tapujos: The Factory.

Marina Abramovic. El artista está presente (2010)

La artista serbia ha sido capaz de llevar la performance, tan presente en la actualidad, a la categoría de arte. Un arte sospechoso e incluso demencial. Una especie de democracia sin límites. Se separó de una pareja mediante una performance, recorriendo la muralla china y despidiéndose en un punto de ella, para reencontrarse años después en otra, con una mesa de por medio, mientras ella esperaba su llegada y donde ella después mostró su emoción contenida. Esto fue en 2010, la «conservadurización» de la artista, Premio Príncipe de Asturias que, 40 años antes, se puso a disposición de los espectadores como diana, ofreciéndoles todo tipo de objetos para que se los lanzaran, desde los más inofensivos hasta cuchillos e incluso una pistola, con los que fue verdaderamente atacada y herida.